Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo discute a autenticidade histórica e pessoal na abordagem interpretativa das Variaciones sobre un tema de Sor - Op. 15a (1908), de Llobet, pelas perspectivas de Kivy (1995) e Young (2013). O objetivo é compreender as transformações estruturais e estéticas desta obra decorrentes da passagem do tempo entre a composição de Sor e a composição de Llobet, capazes de modificar o seu sentido e impactar a sua interpretação. Para isso foi realizada uma análise comparativa entre as Variações de Llobet e a Op. 15a (c.a 1822-1825), de Sor, à luz da classificação semiótica (icônica, indexical e simbólica) da notação musical proposta por Treitler (1982) e Mammi (1999). Tal classificação permitiu que a notação musical e seus elementos significativos fossem contrapostos ao pensamento técnico, estético e musical dos compositores propiciando o reconhecimento de tais mudanças (estruturais e estéticas) na referida obra e fundamentando sua interpretação.

Abstract in English:

Abstract This article discusses historical and personal authenticity in the interpretative approach of Llobet's Variations on a theme of Sor - Op. 15a (1908), from the perspectives of Kivy (1995) and Young (2013). The objective is to understand the structural and aesthetic transformations of this work resulting from the passage of time between Sor's composition and Llobet's composition, capable of modifying its meaning and impacting its interpretation. For this purpose, a comparative analysis was carried out between Llobet's Variations and Sor's Op. 15a (c.a. 1822-1825), considering the semiotic classification (iconic, indexical and symbolic) of musical notation proposed by Treitler (1982) and Mammi (1999). Such classification allowed musical notation and its significant elements to be contrasted with the technical, aesthetic and musical thinking of the composers, providing recognition of such changes (structural and aesthetic) in the aforementioned work and providing a basis for its interpretation.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo apresenta uma discussão sobre a prática do violino na música popular brasileira com ênfase no gênero choro a partir de um conjunto de composições de José Eduardo Gramani (1944-1998). Inicialmente são apresentados recursos do instrumento com ênfase no aspecto rítmico para sua inserção na linguagem do choro. Em seguida, será feito um levantamento dessas composições e arranjos de música popular brasileira para violino, rabecas e outros instrumentos. Finalmente, três exemplos dessas composições serão analisados através da teoria das tópicas na música brasileira proposta por Piedade (2013; 2017) e dos recursos técnicos mencionados. Para ilustrar esses trechos analisados, foram feitas gravações em vídeo.

Abstract in English:

Abstract This article presents a discussion about the practice of the violin in Brazilian popular music with an emphasis on the choro genre based on a set of compositions by José Eduardo Gramani (1944-1998). Initially, tecnical resources of the instrument are presented with an emphasis on the rhythmic aspect for its insertion into the language of choro. Next, the set of compositions of Brazilian popular music for violin, brazilian rabecas and other instruments will be presented. Finally, three examples of these compositions will be analyzed through the theory of topics in Brazilian music proposed by Piedade (2013; 2017) and the technical resources mentioned. To illustrate these analyzed excerpts, video recordings will be referenced

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo propõe uma divisão do conceito de espaço na música em quatro espaços, nomeadamente os espaços interno, externo, intrínseco e extrínseco. Tendo revisto estes conceitos em textos de numerosos autores e compositores, agregamos uma variedade de conceitos nestas quatro categorias principais de espaço na música. Apresentamos também possíveis transgressões dos limites desses conceitos, entendendo que essas transgressões são uma prática comum para compositores contemporâneos. Atualmente, essas práticas de transgressão tendem a ser confundidas pela falta de uma definição clara para os espaços em questão.

Abstract in English:

Abstract This article proposes a division of the concept of space in music into four spaces, namely the internal, external, intrinsic and extrinsic spaces. Having reviewed these concepts in texts from numerous authors and composers, we aggregate a variety of concepts into these four main categories of space in music. We also present possible transgressions of the boundaries of these concepts, with the understanding that these transgressions are common practice for contemporary composers. Currently, these practices of transgression tend to be confused because of the lack of a clear definition for the spaces in question.

Abstract in Portuguese:

Resumo Os espaços teatrais existentes na segunda metade do século XIX abrigavam espetáculos de companhias líricas que percorriam a costa marítima para apresentar-se em diversas cidades do Brasil, incluindo em sua rota as cidades de Desterro e Rio Grande. Neste texto são abordadas questões com o objetivo de compreender uma parcela dessas rotas desenvolvidas pelas formações musicais. O referencial teórico centra-se sobretudo no processo civilizatório a partir de Norbert Elias (1994, 2001).

Abstract in English:

Abstract The theatrical spaces of the second half of the nineteenth century housed shows by lyric companies that traveled along the coast of Brazil to perform in various cities, including the cities of Desterro and Rio Grande. In this paper, we aim to address questions to understand a portion of these trade routes developed by the musical companies. The theoretical framework focuses on questions about the civilizing process according to Norbert Elias (1994, 2001).

Abstract in Portuguese:

Resumo O presente estudo tem como objetivo mapear as potencialidades e limitações da impressão 3D na fabricação de instrumentos musicais, com foco no ensino de música. Este estudo constitui uma revisão sistemática da literatura, conduzida utilizando a abordagem do Methodi Ordinatio. As buscas foram conduzidas em março de 2023 nas bases de dados Web of Science, ScienceDirect, Scopus e SciELO. Durante a pesquisa, foi empregada a combinação de termos-chave "Printed musical instruments", "Science and technology in 3D" e "music teaching" articulados pelo operador booleano AND. O corpo de pesquisa final compreendeu um total de 11 artigos. Constatou-se que é crescente o uso da impressão 3D na fabricação de instrumentos musicais. Os estudos analisados abordam aspectos como qualidade sonora, materiais e técnicas. Conclui-se que a impressão 3D tem potencial na fabricação de instrumentos, promovendo inovações em design, qualidade e acessibilidade, especialmente na música inclusiva, com oportunidades adicionais pela integração com eletrônica.

Abstract in English:

Abstract This study aims to map the potentialities and limitations of 3D printing in the manufacture of musical instruments, with a focus on music teaching. This study constitutes a systematic literature review, conducted using the Methodi Ordinatio approach. The searches were conducted in March 2023 in the Web of Science, ScienceDirect, Scopus and SciELO databases. During the search, the combination of key terms "Printed musical instruments", "Science and technology in 3D" and "music teaching" articulated by the Boolean operator AND was used. The final body of research comprised a total of 11 articles. It was found that the use of 3D printing in the manufacture of musical instruments is increasing. The studies analyzed address aspects such as sound quality, materials and techniques. It is concluded that 3D printing has potential in the manufacture of instruments, promoting innovations in design, quality and accessibility, especially in inclusive music, with additional opportunities through integration with electronics.

Abstract in Portuguese:

Resumo O objetivo deste texto é examinar analiticamente a utilização da forma sonata por Alberto Nepomuceno na sua Sinfonia em Sol menor. Três dos quatro movimentos claramente utilizam a forma sonata como sua base estrutural que envolve não somente o esquema formal geral, mas também sua retórica interna. Para tal objetivo, utiliza-se uma abordagem analítica híbrida que aborda a forma sonata no seu aspecto geral por meio da teoria da sonata de Hepokoski e Darcy, seu detalhamento funcional-formal interno (teoria das funções formais de Caplin), e suas relações temático-motívicas (Grundgestalt e variação progressiva de Schoenberg). Além do aspecto analítico, se realiza uma contextualização de avaliações críticas desta obra de Nepomuceno, passando por críticas da época da estreia em 1897 até avaliações mais recentes.

Abstract in English:

Abstract e The goal of this text is to analytically assess the use of sonata form in Alberto Nepomuceno’s Symphony in G minor. Three of the four movements clearly use sonata form as their structural basis, which involves not only the overall formal scheme but also its internal rhetoric. To this end, a hybrid analytical approach is used that approaches the sonata form in its general aspect through Hepokoski and Darcy’s sonata theory, its internal function-formal detailing (Caplin’s theory of formal functions), and its thematic-motivic relationships (Schoenberg’s Grundgestalt and developing variation). In addition to the analytical aspect, a contextualization and critical evaluation of this work by Nepomuceno is carried out, going through criticism from the time of its premiere in 1897 to more recent evaluations.

Abstract in Portuguese:

Resumo Discutimos neste artigo a interpretação ao violão da ária “Assisa à piè d’un salice” do 3º ato da ópera Otello, composta por Gioachino Rossini em 1816. Também conhecida por “Canção do Salgueiro”, esta ária, cantada pela personagem Desdêmona, foi transcrita pelo violonista e compositor Mauro Giuliani por volta de 1820, e integra o op. 119 do pot-pourri “Le Rossiniane - prima parte”. Buscamos informar sua performance a partir da comparação entre suas fontes primárias, trazendo ainda informações sobre seu contexto emocional e dramático, convenções e práticas vocais e instrumentais da época, e informações históricas e estilísticas sobre os compositores e a ópera Otello. Como resultado, identificamos ritmos, notas, sinais, dinâmicas, indicações expressivas e práticas estilísticas que permitem aproximar a performance da adaptação de Giuliani ao original de Rossini.

Abstract in English:

Abstract In this article, we discuss the guitar interpretation of the aria “Assisa a piè d’un salice” from the 3rd act of the opera Otello, composed by Gioachino Rossini in 1816. Also known as the “Willow Song”, this aria, sung by the character Desdemona, was transcribed by the guitarist and composer Mauro Giuliani around 1820, and is part of op. 119 of the potpourri “Le Rossiniane - prima parte”. We aim to inform about its performance by comparing its primary sources, also providing information about its emotional and dramatic context, vocal and instrumental practices and conventions of the time, and historical and stylistic information about the composers and the opera Otello. As a result, we identified rhythms, notes, signs, dynamics, expressive indications, and stylistic practices that allow the performance of Giuliani's adaptation to be closely aligned with Rossini's original.

Abstract in Portuguese:

Resumo O artigo pauta a relação entre a poeta e compositora Lilinha Fernandes (1891-1981) e o violonista e compositor Quincas Laranjeiras (1873-1935), apresentando partituras, fontes e documentos inéditos ou pouco conhecidos, frutos da parceria entre esses dois personagens ao longo da década de 1920, buscando evidenciar, nesse período, a eventual importância de ambos no cenário musical e literário do Rio de Janeiro. Ancorados em base documental e em diálogo com a literatura disponível sobre o tema, nosso objetivo é pautar figuras relacionadas ao violão ainda pouco conhecidas e cujas produções (ou parte delas) antecedem à década de 1930, promovendo o resgate (sempre em construção) de trajetórias e/ou obras obliteradas.

Abstract in English:

Abstract The article focuses on the relationship between the poet and composer Lilinha Fernandes (1891-1981) and the guitarist and composer Quincas Laranjeiras (1873-1935), presenting unpublished or little-known scores, sources and documents, fruits of the partnership between these two characters throughout from the 1920s, seeking to highlight, during this period, the possible importance of both in the musical and literary scene of Rio de Janeiro. Based on a documentary survey and in dialogue with the available literature on the subject, our objective is to highlight figures related to the guitar that are still little known and whose productions (or part of them) precede the 1930s, promoting the recovery (always under construction) of silenced or forgotten trajectories and works.

Abstract in Portuguese:

Resumo Aldeamento indígena desde o século XVII, o Embu possuía como característica a presença de diversos músicos entre seus habitantes. De acordo com D. Duarte Leopoldo e Silva, arcebispo de São Paulo, a “banda do Embu” era formada por “indios” guaianazes sendo “a melhor das redondezas, senão a única, e era “como parte obrigada das grandes solenidades da vizinhança, e até mesmo de Itanhaém e Bragança”. Tendo em vista a relevância do tema para a historiografia da música no Brasil, empreendemos uma pesquisa nos Maços de População de São Paulo (1765 a 1850) em busca de registros de músicos no aldeamento do Embu. A seguir, cruzamos as informações obtidas com os registros da paróquia do Embu, para encontrar marcos importantes na vida familiar dos indivíduos identificados de forma a reconstituir a biografia e a trajetória desses músicos indígenas esquecidos.

Abstract in English:

Abstract An indigenous mission since the 17th century, the village of Embu was characterised by the presence of several musicians among its inhabitants. According to D. Duarte Leopoldo e Silva, archbishop of São Paulo, there was a musical ensemble in the village formed by indigenous people of the Guaianazes ethnic group that was considered “the best in the region, if not the only one”, and was “an obligatory part of all great solemnities of the environs, and even as far as Itanhaém and Bragança”. Considering the relevance of the subject for the historiography of music in Brazil, we looked into the historical censuses of São Paulo (from 1765 to 1850) searching for musicians in Embu. Then, we compared the names obtained with those on records of the Embu Parish, to find family registers of the identified individuals in order to reconstruct the biography of these forgotten indigenous musicians.

Abstract in Portuguese:

Resumo Neste artigo trazemos os primeiros resultados de uma investigação que busca pensar as práticas musicais ambientadas em territorialidades decoloniais, a partir de uma perspectiva interseccional. Tendo como assunto de pesquisa o álbum visual Meu Esquema, de Rachel Reis, propomos a articulação da noção de cena musical a partir da conexão com conceitos como Performance, Amefricanidade, Feminismo Decolonial e Ancestralidade, para compreender fenômenos culturais urbanos ancorados em performances de gênero, pós-gênero, raça/etnia, sexualidades, cidadania, classe, que se materializam em cidades da América Latina. Com este objetivo, propomos o conceito de cena musical afrolatina/diaspórica, que nos parece mais adequado para dar conta de processos culturais ambientados em localidades marcadas pela opressão colonial e a violência étnica-racial.

Abstract in English:

Abstract In this article we present the first results of an investigation that seeks to think about musical practices set in decolonial territorialities, from an intersectional perspective. Taking the visual album Meu Esquema by Rachel Reis as our research subject, we propose the articulation of the notion of musical scene based on a connection with concepts such as Performance, Afrocentricity, Decolonial Feminism and Ancestry, in order to understand urban cultural phenomena anchored in performances of gender, post-gender, race/ethnicity, sexualities, citizenship and class, which materialize in Latin American cities. To this end, we propose the concept of an Afro-Latin/diasporic music scene, which we feel is more appropriate for understanding cultural processes in places marked by colonial oppression and ethnic-racial violence.

Abstract in Portuguese:

Resumo A viralização de músicas através de plataformas de streaming e redes sociais é comum, mas nem todas as músicas virais se tornam sucessos. Neste contexto, nosso objetivo é descobrir o que difere as músicas virais dos hits para além da definição. Nós utilizamos uma metodologia quantitativa em paradas de sucesso do mercado brasileiro. Comparamos músicas de sucesso e virais quanto às suas características intrínsecas e extrínsecas, e os resultados revelam diferenças significativas entre elas. Características como gêneros musicais, tópicos das letras e emoções surgem como elementos cruciais para distinguir tais canções no contexto brasileiro. Além disso, características temporais indicam diferenças nos processos de difusão entre hits e virais. Em geral, este estudo oferece percepções sobre o consumo de música no Brasil, revelando a conexão entre as características das músicas e seu sucesso e viralização em plataformas de streaming.

Abstract in English:

Abstract It is common for songs to go viral on streaming platforms and social media, but not all viral songs become hits. In this context, we aim to discover what differs viral from hit songs beyond their definition. We do so by using a quantitative methodology over charts in the Brazilian market. We compare hit and viral songs regarding their intrinsic and extrinsic characteristics, and our results reveal significant differences between them. Features such as music genres, lyrics topics, and emotions emerge as crucial elements to distinguishing such songs within the Brazilian context. Furthermore, temporal features indicate differences in the diffusion processes between hits and virals. Overall, this study offers insights into music consumption in Brazil, revealing the connection between song features and their success and virality on streaming platforms.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo analisa a transcrição realizada por Pierre Boulez do sétimo movimento das Douze Notations para piano, resultando na peça Notations VII para orquestra. Nosso objetivo é compreender as técnicas composicionais utilizadas, abordando aspectos estruturais, temporais, harmônicos e timbrísticos. Dividido em cinco partes, o texto inicia com uma introdução às Douze Notations e as transcrições feitas por Boulez, embasada em seus próprios escritos. Em seguida, apresentamos uma análise da miniatura para piano, seguida de uma contextualização do termo “proliferação” e de uma análise da versão orquestral. A reflexão final destaca os tipos de proliferação realizados por Boulez, as quais denominamos como proliferação temporal-estrutural, proliferação temporal-heterofônica e proliferação harmônico-tímbrica.

Abstract in English:

Abstract This paper analyzes the transcription carried out by Pierre Boulez of the seventh movement of the Douze Notations for piano, resulting in the piece Notations VII for orchestra. Our goal is to comprehend the compositional techniques employed, addressing structural, temporal, harmonic, and timbral aspects. Divided into five parts, the text begins with an introduction to the Douze Notations and Boulez's transcriptions, grounded in his own writings. Subsequently, we provide an analysis of the piano miniature, followed by a contextualization of the term “proliferation” and an analysis of the orchestral version. The final reflection highlights the types of proliferation carried out by Boulez, which we label as temporal-structural proliferation, temporal-heterophonic proliferation, and harmonic-timbral proliferation.

Abstract in Portuguese:

Resumo O artigo analisa as versões homônimas de Di-stances, de Vânia Dantas Leite: música sobre suporte fixo, e audiovisual, realizadas a partir de desenhos de Paulo Garcez. Contextualiza a primeira versão, de 1982, em duas vertentes da música contemporânea: a acusmática e a experimental. Problematiza, a partir de um texto inédito da compositora, aproximações e distanciamentos a cada campo, seja por ter na leitura musical dos desenhos de Garcez seu principal mote, seja por ser realizada em suporte fixo. A partir de uma análise da obra audiovisual, discute as interpretações dos desenhos de Garcez, afirmando a hipótese, embasada por Bayle (1993), Garcia (1998) e Caesar (2020), de que há uma confluência entre as imagens sonoras e visuais na versão acusmática. Evidencia ainda que, por se tratar de uma animação a partir dos desenhos sobre a música anteriormente composta, a versão audiovisual explicita essa equivalência, sendo um exercício estético sobre a obra acusmática.

Abstract in English:

Abstract The article analyzes the homonymous versions of Di-stances, by Vânia Dantas Leite: music on fixed support, and audiovisual, based on drawings by Paulo Garcez. It contextualizes the first version, from 1982, in two aspects of contemporary music: acousmatic and experimental. Based on an unpublished text by the composer, it problematizes approaches and distances in each field, either because it has the musical reading of Garcez's drawings as its main theme, or because it is performed on a fixed support. Based on an analysis of the audiovisual work, it discusses the interpretations of Garcez's drawings, affirming the hypothesis, supported by Bayle (1993), Garcia (1998) and Caesar (2020), that there is a confluence between sound and visual images on the acousmatic version. It also highlights that, as it is an animation based on drawings upon the previously composed music, the audiovisual version makes this equivalence explicit, being an aesthetic exercise on the acousmatic work.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo tem como escopo a análise musical do primeiro movimento da Sonatina para violão de Sérgio Vasconcellos-Corrêa, além de investigar suas implicações na interpretação musical por meio de experimentações práticas, visando a performance. Partimos do pressuposto de que um exame aprofundado da obra pode enriquecer o processo criativo do intérprete, fornecendo embasamento teórico para suas experimentações e contribuições musicais. Autores como Rink (2007), Cook (1999) e Rothstein (1995) constituem o referencial teórico em uma breve reflexão sobre análise, interpretação e performance musical. O método analítico proposto por John White (1976) foi empregado, subdividindo o processo em microanálise, análise intermediária e macroanálise. Os resultados demonstram a relevância da análise como uma ferramenta importante, fornecendo dados para experimentações práticas que abrangem desde elementos menores, como relações motívicas, passando por questões fraseológicas, até questões mais amplas, como movimentação harmônica e forma musical.

Abstract in English:

Abstract This article aims to conduct a musical analysis of the first movement of the Sonatina for guitar by Sérgio Vasconcellos-Corrêa, while also investigating its implications for musical interpretation through practical experiments, aiming at performance. We start from the premise that a thorough examination of the work can enrich the creative process of the performer, providing theoretical grounding for their musical experiments and contributions. Authors such as Rink (2007), Cook (1999), and Rothstein (1995) constitute the theoretical framework in a brief reflection on musical analysis, interpretation, and performance. The analytical method proposed by John White (1976) has been employed, subdividing the process into microanalysis, intermediate analysis, and macroanalysis. The results demonstrate the relevance of analysis as an important tool, providing data for practical experiments that range from minor elements, such as motivic relationships, through phraseological issues, to broader considerations such as harmonic motion and musical form.

Abstract in Portuguese:

Resumo O presente artigo tem como objetivo apresentar reflexões sobre estilo como um conceito multifacetado e complexo que vai além da questão de época/período dentro de certa tradição cultural, envolvendo aspectos ideológicos e psicológicos. Vertentes em referência ao estilo são reveladas através de modos de expressão (composição e performance/interpretação), modos de organização (análise) e modos de recepção (audição). Para Meyer, a caracterização dos estilos é dependente de níveis de restrição da linguagem musical, a saber: leis, regras e estratégias. Este conjunto de restrições é ainda demarcado em função do idioma e do dialeto compartilhados e/ou singularizados por compositores de uma dada região e época. Visto que tal postulação apresenta uma perspectiva teórico-musicológica e, sobretudo composicional, neste artigo é proposta uma ponderação de como seria o percurso em direção à construção de estilos na performance musical, propondo uma disposição inversa à ordem dos elementos da Teoria, tendo principalmente o idioma como o elemento balizador para potencializar escolhas para a construção de uma performance.

Abstract in English:

Abstract This article aims to present reflections on style as a multifaceted and complex concept that goes beyond the question of era/period within a certain cultural tradition, involving ideological and psychological aspects. Strands in reference to style are revealed through modes of expression (composition and performance/interpretation), modes of organization (analysis) and modes of reception (listening). For Meyer, the characterization of styles is dependent on levels of restriction in the musical language, namely: laws, and rules strategies. This set of restrictions is further demarcated according to the language and dialect shared and/or singularized by composers from a given region and time. Since this postulation presents a theoretical-musicological and, above all, compositional perspective, this article proposes a consideration of what the path towards the construction of styles musical performance would be like, proposing an inverse arrangement to the order of the elements of the Theory, having mainly the language as the guiding element to enhance choices for the construction of a performance.

Abstract in Portuguese:

Resumo Fundada em fins do século XVII como aldeamento indígena, Itapecerica teve registrada, desde muito cedo, a presença de um conjunto musical. Um ofício do governador da Capitania de 1767 já solicitava a presença dos “indios muzicos da dita aldêa” numa festividade de outra localidade, e os censos do aldeamento acusam a existência de um “organista e mestre da solfa” indígena em 1773. Em 1802, haviam oito músicos entre os aldeados. Com o objetivo de aprofundar a investigação sobre o tema, empreendemos uma busca nos censos de Santo Amaro (1766-1847), cuja jurisdição abrange a aldeia de Itapecerica, com o intuito de localizar outros registros dos músicos ali ativos. A seguir, cruzando os dados obtidos com os registros paroquiais do aldeamento, conseguimos traçar esboços biográficos de dezoito músicos indígenas, recuperando suas histórias assim como a do conjunto musical a que pertenciam, abrindo novas frentes de pesquisa sobre a atividade musical dos aldeados.

Abstract in English:

Abstract Itapecerica was founded at the end of the 17th century as an indigenous mission, which, from an early age, registered the existence of a musical ensemble. An official letter from the governor of the Captaincy in 1767 requested the presence of its musicians in the festivities of the Fazenda Sant’Anna, and the censuses of 1773 indicate the existence of an indigenous “organist and music master”. In 1802, there were eight musicians among the villagers. Therefore, we undertook a search in the censuses of Santo Amaro (1766-1847), where the village of Itapecerica is also registered, in order to find more records of musicians active there. Then, comparing the results with those of the parish records of Itapecerica, we were able to reconstruct the biography of eighteen of these indigenous musicians, recovering their stories as well as that of the musical ensemble of the village, opening new research fronts on the musical activity in the missions.

Abstract in Portuguese:

Resumo O presente artigo aborda a importância da Fundação de Educação Artística (FEA) no contexto da música contemporânea erudita de Belo Horizonte. Como estudo de caso, o trabalho examina os quase 500 concertos realizados em seu teatro nos dez anos que antecederam à pandemia de COVID-19. Ao se verificar a quantidade de compositores representados e a diversidade de obras executadas, o estudo destaca a importância de se compreender melhor como o fechamento de seu espaço cultural em 2020, devido à pandemia, afetou a cena musical da cidade.

Abstract in English:

Abstract This paper addresses the importance of Fundação de Educação Artística (FEA) in the context of contemporary music in Belo Horizonte. As a case study, the paper examines the nearly 500 concerts held at its theater in the ten years preceding the coronavirus pandemic. By examining the number of composers represented and the diversity of works performed, the study highlights the importance of better understanding how the closure of its cultural venue in 2020, due to the pandemic, affected the city's music scene.

Abstract in Portuguese:

Resumo O Discorso della Voce (1562), do médico e músico Camillo Maffei, consiste em uma carta dedicada ao seu patrão, Giovanni di Capua, cujo objetivo central era o de discutir a forma de se cantar os passaggi sem um professor de canto. Apesar de ser considerado um documento único pela riqueza de informações sobre a fisiologia da voz e os ideais de estilo da época, há poucos trabalhos que investigaram exclusivamente o Discorso, sendo o presente estudo o primeiro no Brasil. Este artigo, além de apresentar uma tradução de trechos importantes do documento, discute as concepções de Maffei referentes à natureza da voz e à prática do canto do final do Renascimento Italiano. As informações do tratado foram interpretadas a partir das tradições da cortesania e da arte oratória sobre a voz, de outros escritos sobre passaggi do período e dos conceitos clássicos e renascentistas sobre o funcionamento do aparelho vocal.

Abstract in English:

Abstract The Discorso della Voce (1562), by physician and musician Camillo Maffei, consists of a letter dedicated to his employer Giovanni di Capua. The central objective of the letter is to discuss the singing of passaggi in the absence of a voice teacher. Although this is a unique document-rich in information on voice physiology and ideals of style -there are few works that have exclusively investigated the Discorso, with the present study being the first in Brazil. In addition to providing a translation of significant excerpts from the document, this article discusses Maffei’s thoughts regarding the nature of the voice and singing practice at the end of Italian Renaissance. The treatise’s information has been interpreted based on the traditions of courtliness and rhetorical art concerning the voice, additional writings on passaggi from this period, and Classical and Renaissance concepts of the vocal apparatus.

Abstract in Portuguese:

Resumo A dimensão espacial de uma obra musical gravada refere-se tanto à interação dos sons com o ambiente onde foram captados quanto à disposição dos elementos gravados no campo sonoro. Com o objetivo de enfatizar a importância da dimensão espacial para a compreensão da produção musical mediada por tecnologias de gravação, este artigo lança luz sobre alguns dos procedimentos técnicos e artísticos utilizados para moldar o campo sonoro, ao mesmo tempo em que propõe uma análise comparativa entre dois exemplos de fonogramas cujos produtores, ao buscarem alternativas para a manipulação da dimensão espacial, romperam com a estética hi-fi, no início dos anos 1950: Good Morning Mr. Echo (1951), de Bill e Belinda Putnam, interpretada por Jane Turzy e Bom dia Mister Eco (1952), versão brasileira da mesma obra, interpretada pelo Trio Madrigal.

Abstract in English:

Abstract The spatial dimension of recorded music refers both to the interaction between sounds and the environment they were captured in, and to the arrangement of recorded elements in a sound field. With the aim of emphasizing the importance of the spatial dimension for understanding music production when mediated by recording technologies, this paper sheds light on some of the technical and artistic procedures used to shape the sound field, while at the same time proposing a comparative analysis between two examples of phonograms whose producers - when seeking alternatives for manipulating the spatial dimension - broke with the hi-fi aesthetic in the early 1950s: Good Morning Mr. Echo (1951), by Bill and Belinda Putnam, performed by Jane Turzy, and Bom dia Mister Eco (1952), a Brazilian version of the same work, performed by Trio Madrigal.

Abstract in Portuguese:

Resumo a Teoria da Dissonância Métrica, desenvolvida desde as últimas décadas do século XX a partir de análises de repertórios ocidentais do século XIX, tem recebido certo número de contribuições recentes. Uma dessas novas propostas trata do aspecto dual de uma dissonância métrica ou, como utilizado neste artigo, da métrica dual - um princípio que aproxima aspectos próprios da consonância e da dissonância métricas. Este trabalho revisita o conceito da métrica dual e busca articulá-lo com a ideia de métrica como processo e com princípios próprios da psicologia cognitiva. Identificam-se três meios possíveis de dualização de uma dissonância métrica: entre a primeira e as demais escutas; entre a primeira e as demais ocorrências; por convenção de estilo. Esta reinterpretação também conta com exemplos analíticos de repertórios dos últimos cento e vinte anos, de tradição popular e erudita, que recortam todo o corpo do texto a seguir.

Abstract in English:

Abstract The Theory of Metrical Dissonance has been developed since the last decades of the 20th century based on analyzes of Western repertoires from the 19th century. This theory has also received a few recent contributions. One of these new proposals deals with the dual-aspect of a metrical dissonance - a principle that brings together aspects of metrical consonance and dissonance. This paper revisits the concept of dual-aspect meter and seeks to articulate it with the idea of meter as a process and with principles specific to cognitive psychology. Three possible means of dualizing a metrical dissonance are identified: between the first and other listening; between the first and other occurrence; by style convention. This reinterpretation also includes analytical examples of repertoires from the last one hundred and twenty years, from popular and erudite traditions, which outline the entire body of the text below.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este estudo teve por objetivo investigar como pianistas em nível de pós-graduação compreendem, explicam e produzem diferentes timbres no piano em obras dos séculos XX e XXI. Foram delineados dois estudos. O primeiro contou com a participação de dois pianistas executando um mesmo trecho da obra Vers la flamme, de Scriabin (c. 1-40). Após a análise preliminar dos dados coletados nessa fase, foi levantada a seguinte hipótese: o processo de maturação de uma obra requer tempo e reflexão relativa à prática. Em vista disso, realizaram-se alguns ajustes nos critérios da composição da amostra para a coleta de dados do segundo estudo. Este contou com a participação de três pianistas pós-graduandos executando obras de seus repertórios. Concluiu-se, que a produção de timbres no piano está associada ao resultado combinado entre múltiplos parâmetros de performance, pensamento metafórico, realização de diferentes toques pianísticos e gestos corporais.

Abstract in English:

Abstract This research aimed to investigate how pianists at the postgraduate level understand, explain and produce different piano timbres in works from the 20th and 21st centuries. The first of two studies comprised the participation of two pianists playing the same passage of Vers la flamme by A. Scriabin (c. 1-40). After a preliminary analysis, the amount of study time required for achieving mastery to produce an intended set of timbres became a relevant part of a hypothesis regarding practice and performance. Therefore, the second study underwent adjustments on sampling for participants and repertoires. The second study included three postgraduate pianists who were at the final stages of preparing recitals. In conclusion, the production of timbres in the instrument seems to result from an intricate array of performance parameters, metaphorical thoughts and images as well as the realization of different piano touches and body gestures.

Abstract in Portuguese:

Resumo A atuação musical do frei franciscano, Pedro Sinzig (1876-1952), que aguarda ainda ser investigada em suas mais diversas expressões, se apresenta na correspondência bilíngue a Curt Lange, escrita em alemão e em português, sobretudo em seu aspecto musicológico. A partir do diálogo entre editores de periódicos musicais, nos deparamos com temas caros à música brasileira da primeira metade do século vinte, como a formação de associações e a criação de obras de referência. Nosso método de investigação inclui o estudo da totalidade de cartas e demais manuscritos do Acervo Curt Lange, assim como de documentos e fontes secundárias a eles relacionados. Constatamos a relevância que a formação de redes locais de informações, pessoas e instituições exercem sobre o fazer musical e sua consequente expansão internacional, assim como a importância do trabalho de Sinzig nas interfaces entre fenômenos religiosos e seculares, e em seu consequente impacto social.

Abstract in English:

Abstract The musical activity of the Franciscan friar Pedro Sinzig (1876-1952), which still awaits investigation in its most diverse expressions, is presented in the bilingual correspondence to Curt Lange, written in German and Portuguese, particularly in its musicological aspect. Based on the dialogue between editors of music periodicals, we came across themes dear to Brazilian music in the first half of the twentieth century, such as the formation of associations and the creation of reference works. Our research method includes the study of all letters and manuscripts in the Curt Lange Collection, as well as documents and secondary sources related to them. We note the relevance that the formation of local networks of information, people and institutions has on musical production and its consequent international expansion, as well as the importance of Sinzig's work in the interfaces between religious and secular phenomena, and in its consequent social impact.

Abstract in Portuguese:

Resumo A compreensão das estruturas didático-pedagógicas concernentes ao processo de ensino-aprendizagem da regência, não estão resumidas aos aspectos técnico-gestuais, perpassam por elementos administrativos, logísticos e psicopedagógicos. Para visualizar essa perspectiva à luz da realidade laboral, recorre-se as narrativas da vida acadêmica, artística e profissional, por meio de um ciclo de entrevistas com Maestros e Professores internacionais e nacionais (Brasil). O segundo a ser entrevistado é o Maestro e Professor Canadense Jean-François Rivest. Considerado um dos mais proeminentes violinistas da sua geração, Maestro Rivest estudou na Julliard School com Ivan Galamian, e seu percurso musical logo lhe conduziu para uma profícua carreira internacional na regência. Professor da Université de Montréal, fundou a orquestra sinfônica da instituição. Dar voz a Maestros como Rivest permite visualizar novas perspectivas práticas, conceituais e pedagógicas, e nos direciona o olhar para as reais necessidades do campo da regência: pensar e agir para além da técnica gestual.

Abstract in English:

Abstract Understanding the didactic-pedagogical structures concerning the teaching-learning process of the conducting, are not summarized to the technical-gestural aspects, it permeates administrative, logistics and psych-pedagogical elements. To visualize this perspective in the light of labor reality, the narratives of academic, artistic and professional life are resorted through a cycle of interviews with national (Brazil) and international conductors. The professional to be interviewed is the Canadian conductor and professor Jean-François Rivest. Considered one of the most prominent violinist of his generation, Rivest studied at Julliard School with Ivan Galamian, and his musical path soon led him to a fruitful international career. As a Professor at the Université de Montréal, founded the institution's Symphony Orchestra. Giving voice to conductors as Rivest allows us to visualize new practical, conceptual and pedagogical perspectives, and directs us to look at the real needs of the field of conducting: to think and act beyond the gestural technique.

Abstract in Portuguese:

Resumo s Esse artigo aborda algumas questões técnicas, poéticas e conceituais implicadas em Játékok [Jogos], do compositor húngaro György Kurtág. Ao longo do artigo, são abordadas ideias do próprio compositor, tanto do ponto de vista composicional quanto didático-pedagógico, em cruzamento com ideias de outros compositores com os quais se traça uma lúdica e criativa tradição húngara de ensino musical. Além disso, busca-se melhor compreender a potência do brincar na vida e no desenvolvimento infantil, por meio de conceitos e concepções da filosofia e da psicologia contemporânea, e como uma tal potência foi composicionalmente explorada por Kurtág em Jogos. As abordagens conceituais são entremeadas por análises de algumas peças dos Jogos. O objetivo do estudo é contribuir na compreensão e aplicação de processos de ensino e aprendizagem instrumental atentos a uma possível aliança entre a exploração de gestualidades físico-corporais lúdicas e prazenteiras com sonoridades e pensamentos musicais contemporâneos.

Abstract in English:

Abstract his paper addresses some technical, poetic and conceptual issues involved in Játékok [Games], composed by the Hungarian composer György Kurtág. Throughout the article, ideas from the composer himself will be discussed, both from a compositional and didactic-pedagogical point of view, in conjunction with ideas from other composers with whom a playful and creative Hungarian tradition of musical teaching is traced. Furthermore, we seek to better understand the power of playing in children's life and development, through concepts and conceptions of contemporary philosophy and psychology, and how such child power was compositionally explored by Kurtág in Games. The conceptual approaches are interspersed with analyses of some pieces from Games. The study aims to contribute to the understanding and application of instrumental teaching and learning processes that consider a possible alliance between the exploration of playful and pleasurable physical-body gestures with contemporary musical sounds and thoughts.

Abstract in Portuguese:

Resumo O objetivo desta pesquisa foi investigar as estratégias de práticautilizadas por uma pianista expert no contexto de aprendizagem de uma nova música a partir de uma melodia cifrada. Duas sessões de prática foram realizadas envolvendo a aplicação do protocolo think-aloud concorrente, na qual a pianista relatava verbalmente seus pensamentos enquanto aprendia a música, e do think-aloud retrospectivo, aplicado minutos depois, no qual ela assistia à gravação de sua própria execução. As sessões foram gravadas, transcritas e submetidas a uma análise de conteúdo. Os resultados indicaram 15 estratégias de prática utilizadas pela pianista, que foram categorizadas com base no modelo SOI (Seleção, organização e integração). Observou-se ainda que o aprendizado da música escolhida envolveu estratégias distintas em relação à aprendizagem de músicas por partitura. A abordagem e utilização de tais estratégias poderá fornecer ferramentas pedagógicas para professores e estudantes de piano no aprendizado de músicas a partir de melodias cifradas.

Abstract in English:

Abstract The purpose of this research was to investigate the practice strategies used by an expert pianist in the context of learning a new piece of music through a lead sheet. Two practice sessions were carried out, involving the application of a concurrent think-aloud protocol, in which the pianist verbally reported her thoughts while learning the music, and a retrospective think-aloud, applied minutes later, in which she watched a recording of her own execution. The sessions were recorded, transcribed and subjected to a content analysis. The results indicated 15 practice strategies used by the pianist, which were categorized based on the SOI model (Selection, Organization and Integration). It was also observed that the learning of the chosen music involved different strategies compared to learning musics through score. The approach and the use of these strategies could provide pedagogical tools for piano teachers and students when learning music through lead sheets.

Abstract in Portuguese:

Resumo Pese embora a relevância da atividade artística de Victor Macedo Pinto (1917-1964), responsável por um legado musical eclético, em que o piano assume um papel central, o compositor e pianista português acabou por cair no esquecimento. Este artigo debruça-se sobre os seus Nove Instantâneos para piano, uma obra composta em 1956 e dedicada à pianista e etnóloga Margot Dias. Partindo de um enquadramento da obra no repertório pianístico do compositor e de um levantamento das audições históricas nos anos 1950 e 1960, procurou-se reconhecer características e padrões performativos que refletissem o estilo singular de Macedo Pinto enquanto compositor, bem como as marcas de influência das personalidades que cruzaram o seu percurso artístico. Esta análise contemplou também a identificação das competências musicais e técnicas abordadas na obra, justificando a pertinência da sua implementação em contexto pedagógico, como parte integrante do repertório português do século XX destinado a jovens pianistas.

Abstract in English:

Abstract Despite the relevance of the artistic activity of Victor Macedo Pinto (1917-1964), the author of an eclectic musical legacy in which the piano plays a central role, this Portuguese composer and pianist eventually fell into oblivion. This article focuses on his piano work Nove Instantâneos, composed in 1956 and dedicated to the pianist and ethnologist Margot Dias. This research proposes a framework of Nove Instantâneos in the composer’s piano output and an analysis of its performances in the 1950s and 1960s, with the aim of identifying characteristics and performative patterns that highlight Macedo Pinto’s unique style as a composer, as well as the influence of personalities who crossed his artistic path. This analysis also included the identification of the musical and technical skills addressed by the work, supporting the relevance of its implementation in a pedagogical context, as part of the 20th century Portuguese repertoire for young pianists.

Abstract in Portuguese:

Resumo este estudo propõe analisar as Três Sátiras para Piano de José Alberto Kaplan à luz da intertextualidade. A discussão é norteada por autores como Klein (2005), Kaplan (2006), Fonseca (2005) Gomes (1985) e Hatten (1985). Os objetivos da investigação consistem em compreender as múltiplas referências de contrastes estilísticos e estéticos utilizadas pelo compositor e explorar as conexões entre tais elementos. Além disso, a investigação visa contribuir para o aprimoramento de aspectos interpretativos associados a partir da análise das referências intertextuais. Através de uma abordagem analítico-comparativa, são examinados aspectos musicais heterogêneos que conferem peculiaridade às suas obras. Ao estabelecer essas interrelações, o trabalho contribui para a elaboração da performance e para a compreensão da obra.

Abstract in English:

Abstract this study proposes to analyze the Three Satires for Piano by José Alberto Kaplan in the light of intertextuality. The discussion is guided by authors such as Klein (2005), Kaplan (2006), Fonseca (2005), Gomes (1985), and Hatten (1985). The research objectives are to comprehend the multiple references of stylistic and aesthetic contrasts used by the composer and explore the connections between such elements. Additionally, it aims to contribute to the improvement of related interpretation aspects through the analysis of intertextual references. Using an analytical-comparative approach, heterogeneous musical aspects that give peculiarity to his works are examined. By establishing these interrelations, this work contributes to the elaboration of the performance and the understanding of the piece.

Abstract in Portuguese:

Resumo Neste artigo apresento algumas estratégias utilizadas pela pianista brasileira Magdalena Tagliaferro no que diz respeito à formação de seu repertório, a fim de obter respeitabilidade como musicista por parte da crítica musical francesa entre 1908 e 1939. Para tal tarefa, utilizo como fontes as publicações da imprensa francesa acessíveis pela web na plataforma www.retronews.fr, assim como a própria autobiografia da pianista (Tagliaferro, 1979). Como desdobramento, apresento três instâncias em que a imprensa francesa retratou a pianista: durante as estreias de composições contemporâneas, consolidando sua imagem como uma intérprete moderna e eclética; nas gravações realizadas em estúdio, inserindo-a na ascendente indústria fonográfica; e, por fim, em suas incursões enquanto cantora, uma faceta pouco explorada na carreira da pianista - que exemplifica sua liberdade e ousadia artística.

Abstract in English:

Abstract In this article I present some strategies used by the Brazilian pianist Magdalena Tagliaferro regarding the formation of her repertoire, in order to obtain respectability as a musician by French music critics between 1908 and 1939. For this task, I use as sources the publications of the French press accessible by web on the platform www.retronews.fr, as well as the pianist’s own autobiography (Tagliaferro, 1979). As a result, I present three instances in which the French press portrayed the pianist: during the premieres of contemporary compositions, consolidating her image as a modern and eclectic interpreter; in the recordings made in studio, inserting it into the growing recording industry; and, finally, in her incursions as singer, a little explored facet of the pianist's career - which exemplifies her freedom and artistic daring.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este estudo investiga a variação socioterminológica dos nomes de aves do Pantanal cuja etimologia faz referência a uma descrição do som produzido pela ave, seja essa descrição onomatopeica ou de outra natureza. Fundamentado na teoria da motivação linguística e nos princípios da lexicologia e da terminologia, o trabalho analisa uma amostra de um corpus de 76 nomes vernaculares e populares de aves coletados em fontes lexicográficas, ornitológicas e também entrevistas orais com as diferentes comunidades pantaneiras. A metodologia empregada combina pesquisa documental, análise etimológica e consulta a especialistas. Os resultados revelam uma rica variedade de processos linguísticos por trás da criação desses termos, incluindo onomatopeias, descrições de sons, metáforas e empréstimos linguísticos. O estudo contribui para uma melhor compreensão da interface entre linguagem, percepção sonora e nomenclatura ornitológica na região do Pantanal.

Abstract in English:

Abstract This study investigates the socioterminological variation of bird names from the Pantanal region whose etymology refers to a description of the sound produced by the bird, whether this description is onomatopoeic or of another nature. Grounded in the theory of linguistic motivation and the principles of Lexicology and Terminology, the work analyzes a sample of a corpus of 76 vernacular and popular bird names collected from lexicographic, ornithological sources and interviews with the different Pantanal communities. The methodology employed combines documentary research, etymological analysis, and consultation with experts. The results reveal a rich variety of linguistic processes behind the creation of these terms, including onomatopoeias, sound descriptions, metaphors, and linguistic borrowings. The study contributes to a better understanding of the interface between language, sound perception, and ornithological nomenclature in the Pantanal region.

Abstract in English:

Abstract This article reflects on the study of performative listening with trees in the sonic ecology of forests, based on a practice-based multispecies ethnography conducted in distinct forests of Turkey. By integrating the concepts from sound studies, performance studies, and posthumanist theory, I present performative listening as a method that highlights the significance of embodied, multisensory engagement with the sonic ecology of forests. Drawing on fieldwork insights, I demonstrate how performative listening can serve as a tool with potential for enhancing empathy and understanding of plant agency. This practice advocates a more inclusive approach to multispecies interactions by emphasising the transformative impact of encounters and sound.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo explora possíveis contribuições da Psicologia Ecológica de Gibson para a criação artística no âmbito das Instalações sonoras interativas. Fornece uma revisão histórica da evolução dessa forma de arte, destacando a crescente ênfase no papel do espaço e do corpo (ação do público) na formação do conceito de interatividade. O artigo também investiga como a pesquisa em acústica ecológica integrou perspectivas interdisciplinares da sociologia, antropologia e ciência cognitiva para promover um ambiente acústico mais equitativo e justo. Considerando que o conceito de corpo situado no mundo é fundamental tanto para a Arte Interativa quanto para a Ciência Cognitiva, em especial para a Psicologia Ecológica de Gibson, este texto apresenta seus principais aspectos. Em seguida, discute como esses aspectos podem ser aplicados em Instalações sonoras interativas. Para concluir, sugere que a aplicação dos conceitos da Psicologia Ecológica em Instalações sonoras interativas pode contribuir para os objetivos da recente ecologia acústica em criar um ambiente acústico mais justo.

Abstract in English:

Abstract This article explores the potential contributions of Gibson's Ecological Psychology to artistic creation within the scope of Interactive Sound Installations. It provides a historical overview of the evolution of this form of art, highlighting the growing emphasis on the role of space and body (audience action) in shaping interactive art concepts. The article also delves into how ecological acoustics research has integrated interdisciplinary perspectives from sociology, anthropology, and cognitive science to promote a more equitable and fair acoustic environment. Considering that the concept of the body embedded in the world is both central to interactive arts and Cognitive Science, particularly to Gibson's Ecological Psychology, this text presents its main aspects. It then discusses how these aspects can be applied in Interactive Sound Installations. In conclusion, it suggests that applying Ecological Psychology concepts to Interactive Sound Installations can contribute to the goals of recent acoustic ecology in creating a fairer acoustic environment.

Abstract in Portuguese:

Resumo A ecologia acústica é uma disciplina em rápida expansão que pode revelar detalhes sobre ecossistemas que não são visualmente aparentes, e a gravação de campo tem sido utilizada de formas cada vez mais variadas em composições musicais, abrindo portas para projetos colaborativos que transitam entre a ciência e a arte. O projeto Ecosystem [512] está enraizado em levantamentos acústicos que realizei ao longo de nove meses nos Parques Nacionais da Islândia. Esses levantamentos forneceram mais de 10.000 horas de gravações que foram processadas, comprimidas, combinadas e analisadas antes de serem usadas como material fundamental para uma composição musical para eletrônica e clarinete. A peça utiliza múltiplas estratégias, como composição algorítmica, para lidar com a transição das gravações acústicas brutas dos levantamentos para o produto musical final. O processo de composição desta peça revela insights tanto sobre os processos de ecologia acústica quanto sobre considerações de composição musical.

Abstract in English:

Abstract Acoustic ecology is a rapidly expanding discipline which can reveal details about ecosystems that are not visually apparent, and field recording has been used in an increasing variety of ways in music compositions, opening the door to collaborative projects that walk the line between science and art. Ecosystem [512] is rooted in acoustic surveys that I carried out over nine months in Iceland’s National Parks. These surveys provided more than 10,000 hours of recordings that are processed, compressed, combined, and analyzed before being used as the fundamental material for a music composition for electronics and clarinet. The piece uses multiple strategies such as algorithmic composition to handle the transition from rough acoustic survey recordings to final music product. The process of composing this piece reveal insights about both acoustic ecology processes and music composition considerations.

Abstract in Portuguese:

Resumo O “ouvido crítico” é um conceito que cruza ideias de “escuta técnica” e “higiene auditiva”. Foi apresentado pela primeira vez numa oficina prática dedicada à escuta nas suas formas múltiplas e complexas (Synth Library Prague, Julho de 2024). A oficina propôs discutir o ambiente sonoro e os vários contextos em que a escuta ocorre. Com base em vários exercícios, foi questionado, por exemplo, como se pode reconhecer frequências na paisagem sonora mundana. Nesse sentido, estes exercícios assumem uma perspectiva pragmática, tal como a identificação de frequências e fenómenos acústicos do dia-a-dia; assumindo uma relação básica com o som, a da acústica espacial, mas, ao mesmo tempo, adoptando práticas de escuta profunda e de higiéne sonora, no sentido poético da escuta. O „ouvido crítico“ resulta da oscilação constante entre uma compreensão técnica do som e uma reflexão sócio-política sobre o ser ouvinte.

Abstract in English:

Abstract The “critical ear” is a concept crossing ideas of “technical listening” and “ear cleaning”. It was first presented as a workshop (Synth Library Prague, July 2024) dedicated to listening in its manifolds and complexities. It discussed our sonic environment and the several contexts in which listening takes place. Based on exercises that train frequency recognition, for example, how can we recognise that content in our mundane soundscape? In that sense, these exercises take a very pragmatic perspective, aiming at identifying frequencies and acoustic phenomena out-in-the-world. These comprise a basic relationship with sound, that of spatial acoustics, but at the same time, it adopts practices of deep listening and sound healing, towards the poetics of listening. The critical ear reflects the author’s practice endeavour: a constant sway between a technical understanding of sound and a socio-political reflection on being a listener.

Abstract in Portuguese:

Resumo O artigo apresenta uma entrevista com o compositor Hans Tutschku sobre os seus processos criativos, precedida por uma análise descritiva dos fundamentos teóricos e técnicos empregados em suas criações recentes. Neste texto são abordadas práticas como gravação de campo, composição instrumental e eletroacústica, além da forma como o compositor utiliza a inteligência artificial para processos de composição assistida por computador. Materiais como partituras e patches foram cedidos pelo compositor para subsidiar as discussões trazidas no artigo, e com isso espera-se contribuir para reflexões no campo da criação musical, principalmente através de uma abordagem estruturada e interdisciplinar relatada pelo entrevistado através da influência advinda de outras artes como dança e teatro no seu trabalho composicional.

Abstract in English:

Abstract This article presents an interview with composer Hans Tutschku about his creative processes, preceded by a descriptive analysis of the theoretical and technical foundations employed in his recent works. The text addresses practices such as field recording, instrumental and electroacoustic composition, and the way the composer utilizes artificial intelligence for computer-assisted composition processes. Materials such as scores and patches were provided by the composer to support the discussions presented in the article. It aims to contribute to reflections in the field of musical creation, particularly through a structured and interdisciplinary approach reported by the interviewee, highlighting the influence of other arts such as dance and theater on his compositional work.

Abstract in Portuguese:

Resumo Neste artigo, analisamos a aplicação de recursos miméticos nos processos composicionais das obras Doppelbelichtung (2016) e Zugvögel (2012) da compositora alemã Carola Bauckholt. Essas composições ilustram a associação direta que Bauckholt estabelece entre as características sonoras de instrumentos musicais e os sons a serem imitados, especificamente cantos de pássaros e chamados de aves. Em Doppelbelichtung, a compositora utiliza os registros mais agudos do violino para imitar os cantos dos pássaros, enquanto, em Zugvögel, associa instrumentos de palheta a sons de aves migratórias. Realizamos uma análise descritiva do uso do material sonoro aviário para compreender os procedimentos composicionais utilizados por Bauckholt, bem como suas soluções criativas para o desafio da mimese instrumental.

Abstract in English:

Abstract In this paper, we analyse the application of mimetic resources in the compositional processes of the works Doppelbelichtung (2016) and Zugvögel (2012) by German composer Carola Bauckholt. These compositions illustrate the direct association Bauckholt establishes between the sonic characteristics of musical instruments and the sounds to be imitated, specifically bird songs and the bird calls. In Doppelbelichtung, the composer uses the higher registers of the violin to imitate bird songs, while in Zugvögel, she associates reed instruments with the sounds of migratory birds. We conducted a descriptive analysis of the use of birds’ sound material to understand Bauckholt's compositional procedures, as well as her creative solutions to the challenge of instrumental mimesis.

Abstract in Portuguese:

Resumo A pesquisa aqui exposta busca demonstrar a aplicabilidade de movimentos de murmurações de estorninhos como modelo para a espacialização sonora. A partir de uma transdução a ser adotada em diversos níveis, este estudo propõe a aplicação e desenvolvimento de um modelo no qual se operem controle dinâmico e perspectiva espacial a partir da abstração de murmurações e sistemas dinâmicos. Para tanto é utilizado o software Max/Msp/Jitter para implementar no meio computacional o modelo de Boids para a representação do comportamento de murmurações, que é utilizado para a espacialização sonora.

Abstract in English:

Abstract The research presented here aims to demonstrate the applicability of starling murmuration movements as a model for sound spatialization. Through a transduction process to be adopted at various levels, this study proposes the application and development of a model that enables dynamic control and spatial perspective based on the abstraction of murmurations and dynamic systems. For this purpose, the Max/Msp/Jitter software is used to implement the Boids model computationally, representing the behavior of murmurations, which is then applied to sound spatialization.

Abstract in Portuguese:

Resumo Encontros não planejados podem surgir de movimentos complexos através de geografias, com a imponderabilidade desempenhando um papel crucial. O artista midiático Budhaditya Chattopadhyay encontra inesperadamente o pesquisador Budhaditya Chattopadhyay em um café em Budapeste. Este é o oitavo encontro deles, após interações anteriores em Copenhague (2017), Haia (2021c), Calcutá (2021b), Berlim (2022a), Beirute (2022b), Basel (2023) e Rampurhat (2024). Cada interação promoveu uma troca reflexiva de ideias, fundindo suas perspectivas artísticas e teóricas sobre som, escuta, experiências migratórias e ativismo decolonial. Apesar das diferentes lentes que trazem, suas conversas geram novos insights. No café movimentado, cercados por estudantes desengajados, sintomas do isolamento típico de universidades europeias, os dois se envolvem em discussões ponderadas sobre ecologias acústicas, ambientes sonoros, gravações de campo e mídias audiovisuais. Seu diálogo reflete um espírito de camaradagem, destacando o valor das trocas interdisciplinares na promoção do conhecimento e da compreensão entre os domínios artístico e acadêmico.

Abstract in English:

Abstract Unplanned meetings can stem from complex movements across geographies, with serendipity playing a key role. Media artist Budhaditya Chattopadhyay unexpectedly meets researcher Budhaditya Chattopadhyay at a café in Budapest. This is their eighth meeting, following previous encounters in Copenhagen (2017), Den Haag (2021c), Kolkata (2021b), Berlin (2022a), Beirut (2022b), Basel (2023), and Rampurhat (2024). Each interaction has fostered a reflexive exchange of ideas, merging their artistic and theoretical perspectives on sound, listening, migratory experiences, and decolonial activism. Despite the differing lenses they bring, their conversations generate new insights. In the bustling café, surrounded by disengaged students emblematic of the isolation in European universities, the two engage in thoughtful discussions on acoustic ecologies, sonic environments, field recording, and audiovisual media. Their dialogue embodies a spirit of camaraderie, underscoring the value of interdisciplinary exchanges in nurturing knowledge and understanding across artistic and scholarly domains.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo faz a conjectura de um mercado emergente na paisagem comunicacional e aural contemporânea, um Mercado de Ruídos e Sons para o Bem-Estar (MERSBE). Tal mercado seria caracterizado por produtos ruidosos com sonoridades singulares que visam a diferentes formas de bem-estar: de melhoria física e psíquica, como o aprimoramento da memória, da concentração, da qualidade do sono, ao foco em atividades de estudo e trabalho, além de diversas formas de prazer, como os “orgasmos cerebrais”, relatados por consumidores de ASMR. A emergência do MERSBE revelaria, ainda, como a cultura contemporânea se abre para novos modos de relacionamento com aquilo que, outrora, a teoria da comunicação condenou como sua parte espúria: os ruídos. Passando de uma posição provocativa - como era o caso no Manifesto Futurista de Russolo, na Música Concreta e na noise music - e chegando à comoditização em mercado sônico global, os ruídos estão sendo docilizados como experiências terapêuticas.

Abstract in English:

Abstract This article explores the conjecture of an emerging market within the contemporary communicational and aural landscape, termed the Market for Noise and Sound for Well-Being (MONSWELL). This market is characterized by noisy products aimed at various forms of well-being: from physical and psychological improvements such as enhanced memory, concentration, and sleep quality to focusing on study and work activities and various forms of pleasure, including "brain orgasms" related to ASMR. The emergence of MONSWELL also illustrates how contemporary culture is developing new engagements with what was once condemned by communication theory as spurious: noise. Transitioning from a provocative stance-as exemplified by Russolo's Futurist Manifesto, Musique Concrète, and noise music - noise is now being commodified in a global sonic market and domesticated into positive and therapeutic experiences. This shift redefines the cultural and economic value of noise and challenges preconceived notions of auditory aesthetics and well-being in the digital age.

Abstract in Portuguese:

Resumo Este artigo apresenta o desenvolvimento de uma pesquisa em gravação e reprodução de áudio imersivo multicanal ocorrida de 2016 a 2020 na Universidade Estadual de Campinas (Brasil), que resultou em arranjos circulares de transdutores (microfones e caixas acústicas) espaçados em segmentos iguais. A mesma tecnologia de captação sonora multicanal imersiva já havia sido formulada em 1991 pelo engenheiro de som Michael Williams. Por caminhos distintos, os dois estudos chegaram a um resultado comum. Reconhecendo o mérito do achado a Williams, detalha-se, neste artigo, o percurso da pesquisa brasileira, com comentários complementares que ilustram a potência e a riqueza dos fenômenos envolvidos na solução do problema. Também são apresentados os desdobramentos do produto inicial, notadamente o desenvolvimento de uma ferramenta de simulação acústica e auralização com aplicações em artes, comunicação, bioacústica, ecologia e monitoramento ambiental. Ao final apresentamos composições musicais em áudio espacial destacando as facilidades expressivas dos novos recursos desenvolvidos.

Abstract in English:

Abstract This article presents the development of research on multichannel immersive audio recording and reproducion from 2016 to 2020 conducted at the Universidade Estadual de Campinas - Unicamp (Brazil), which resulted in circular arrangements of transducers (microphones and speakers) spaced in equal segments. Similar technology was previously developed by sound engineer Michael Williams, who published his findings in 1991. Despite following different paths, both studies reached similar conclusions. Acknowledging Williams’ contributions, the article details the Brazilian research journey, highlighting the phenomena involved and the innovations achieved. Key developments include an acoustic simulation and auralization tool applicable to arts, communication, bioacoustics, ecology, and environmental monitoring. Finally, the article features spatial audio musical compositions demonstrating the expressive potential of these new technologies.